从2015年“褶皱”个展对空间与栖居的深度追问，到2025年“蜂泌”个展对身体与劳作的持续探索，十年之间，艺术家张新军的创作完成了一次从“外部空间”到“内部身体”的自然转向。他始终以身体为核心媒介，将重复的劳作、真实的感知融入绘画、装置、行为录像等多元创作中，在数字化日益普及的当下，他为观众搭建起一个触摸生命本质、感知存在温度的艺术场域。他的作品没有刻意的宏大叙事国内大的证券公司，却以微观的视角、粗粝的质感，让每个观者都能从中看见自己的生存状态，在身体的共鸣中，读懂藏在重复与劳作里的生命哲思。
张新军
1983年生于河南郑州。2005年毕业于四川美术学院并获学士学位。2009年毕业于中央美术学院并获硕士学位。现工作、生活于北京。
对生存与存在的追问
在张新军的创作脉络中，“存在”始终是绕不开的核心命题。
2025年年末，喜在空间“蜂泌”个展现场，张新军的绘画、行为录像艺术作品与观众正式相遇。作品中，劳动者背负重物的微观画面、蜂巢的筑巢过程、棉花的物质质感相互并置，构建了一个关于“劳动、身体与存在”的感知场域。他特意选择粗糙的画布质地，让画面的物质感与劳作的质感形成呼应，观众在触摸式的视觉体验中，既能感受到颜料的肌理，也能体会到身体的重量。
包裹，布面油画，53×37.5cm，2025
空桶，布面油画，53×37.5cm，2025
这次展览是张新军首次大规模将人物形象嵌入画中的尝试。画面里，一个个被刻意缩小的人物，与被放大的重物之间产生对比，体力劳作的群像姿态与“劳作”的主题形成强烈呼应。在他看来，这些围绕生存展开的劳作，与动物的采集行为有着相似性，而他以微观的视角描绘这一切，正是希望观众能通过自己的想象，将这些人物与展览中的蜂巢、棉花等作品建立连接，填补其中的空白，形成独属于自己的解读。
白塔，布面油画，150×50cm，2025
展览现场还展示了两件张新军的影像作品。其中一件是他创作于2013年的《抽屉脚》：作品中，脚上绑着抽屉在马路上行走的重复行为，在“肉身-家具-城市”的关系中，抽象出关于家与行走的永恒命题；另一件是2019年创作的《抽屉人》，影像记录了行走于拆迁废墟与新建高楼之间的场景，以身体为标尺丈量着时空的变迁。在张新军看来，“重复并非枯燥的循环，而是蕴含着生机与哲思的过程——就像蜂巢的每个六角形都略有不同，重复中也藏着时间的流动与存在的温度。”
张新军 抽屉脚 行为影像 5′47″ 2013
张新军 抽屉人 行为影像 56′18″ 2019
从早期聚焦“空间”的创作到近期于“身体”的转向，是张新军创作脉络的自然延伸。回顾2015年的“褶皱”个展，彼时他以帐篷、迁徙等意象为切入点，将目光聚焦于人所处的外部空间，探讨不稳定生存环境下，人在空间中的处境与关系。当时，他以虫子的巢为微观视角，将人的居住空间与自然之物相连，帐篷的临时性、空间的褶皱感，都成为他解读人与环境关系的载体。而后，他的创作视角逐渐向内，从关注外部空间，慢慢回到身体本身，回到人最基本的生存需求与感知体验。“从空间到内部，可以指我们的身体，也可以指身体内部的内心，我慢慢弱化了空间，把注意力放在了更本质的东西上。”张新军如是说。
无论是在作品实施中亲自搬运土壤、重复搭建单元结构，还是在绘画中描绘劳动者背负重物的姿态，他都将“身体的消耗”与“重复的行动”视为创作的内在逻辑，而创作焦点最终又回到人的基本需求上——温度、粮食、劳作这些最朴素的元素，构成了他作品的核心底色。
采访中，张新军的语速总是缓缓的，他会不时地停顿、思考，力求最准确地表述传递想法。这种严谨的态度，在他的创作中亦可清晰窥见。一棵大树的生长必然有着坚实的主干，而这主干于张新军而言，便是对生存与存在的持续追问。不同的生命阶段延展出不同时期的作品，如同从这主干上生长出的枝芽，最终又汇聚于核心，让他对生命的思考愈发深刻。
Q-北京青年周刊
A-张新军
带着经验去感受
Q 这次展览中“粮食系列”人物形象的创作灵感是什么？
A 这个系列以微观视角切入，我刻意缩小人物比例、放大背负的重物，是想让劳动者的生存状态与主题形成呼应——劳动是一个分泌、结晶的过程，而这些围绕生存展开的劳作，和动物的采集行为有共通的矛盾性。我希望观众能通过想象，把这些人物和展览里的蜂巢、棉花等作品连接起来。
张新军 拾荒 布面油画 53×37.5cm 2025
Q 你如何看待创作中的“重复”？
A 重复是我作品里很重要的元素，它不是消极的单调，而是一个充满矛盾的哲学概念。就像蜂巢的每个孔都不完全相同，日常劳作的重复里也藏着变化和生机。我们每天上班、耕作看似重复，但每次的感受都不一样，这种在重复中感知差异的过程，正是生命真实的体现。
张新军 重复结构 NO.2 布面油画 130×180cm 2025
Q 在AI盛行的今天，坚持身体性创作的原因是什么？
A 我没有刻意去回应数字化时代的问题，但身体的感知和虚拟世界的体验是完全不同的。当我们敲键盘时，会忘记身体的其他部分，而回到身体、回到劳作，能让我们重新打开感知。这对我来说是一个自然的创作脉络，我更关注身体层面的真实感受。
Q 不同文化背景的观众对你的作品解读有差异吗？
A 有的，比如国外观众对“煤”和“棉花”的理解就和我们很不一样。他们看到棉花会联想到美国南方的种植史，这就是文化差异带来的解读偏差。但我希望作品里的“物”能更直接地呈现自身，让观众带着各自的经验去感受。
Q 你希望留给观众怎样的创作印记？
A 我希望观众记住的不只是具体的作品，而是一种“质感”——它是材料的肌理、色彩的基调，也是整个展览传递出的抽象感知。这种质感没有标准答案，就像蜂蜡的黏稠与温暖，每个人的感受都不同，但最终都会指向关于存在的思考。
文 王雅静
摄影 李英武
编辑 韩哈哈
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